建筑與時裝之戀：構建時尚的建筑

時裝常被稱為穿在身上的藝術，而視覺藝術長期以來一直在影響著服裝的顏色、質地和設計，但建筑呢？從紐約建筑中心(center for architecture)剛開幕的展覽上來看，建筑也同樣發揮了作用。此次展覽名為“建筑的時裝：構建時尚的建筑”，展出的作品出自侯賽因·夏拉揚(hussein chalayan)、帕特里克·考克斯(patrick cox)、馬丁·馬吉拉(martin margiela)、皮亞·墨沃爾德(pia myrvold)和山本耀司(yohji yamamoto)等設計師，以及扎哈·哈迪德(zaha hadid)、戴維·阿德迦耶(david adjaye)、文卡·度別丹(winka dubbeldam)、森俊子(toshiko mori)和拉斯·斯伯伊布里克(lars spuybroek)等建筑師。該展覽表明，建筑和時裝這兩個領域的相互影響已是更勝以往。

設計師鄧姚莉(yeohlee teng)表示，二者的聯系很簡單：“我們住在建筑里，建筑就是我們的環境。我們每天都與建筑打交道，包括過渡空間，就像我們的衣服一樣。當你出門到街上，你就進了建筑環境；街道帶你進入樓宇。這是人類體驗和環境的一部分。”

“你設計的東西有人會穿上，然后坐在椅子上，所以我認為，對許多人來說，(建筑與時裝的聯系）不是什么新事物，”鄧姚莉繼續說道。她將建筑元素融入了幾乎所有作品系列中，看看她設計的短裙就知道了，這些裙子就像穿在身上的古根海姆博物館(guggenheim)。“我設計了看上去像古根海姆博物館的服裝。我并不是從賴特(wright)先生的作品或其它作品上獲得設計靈感，我沒有直接參照它，但一位批評家的確看出了這一點，”鄧姚莉說，“對于2006年春裝系列，那是我碰巧看到了羅伯特·馬萊-史蒂文斯(robert mallet-stevens)的建筑，以及他那超結構、超清晰、現代風格的線條，然后我就考慮設計些更有結構感、與纜索有關的作品。巧合的是，就在我設計2006年春裝系列時，(巴黎)蓬皮杜中心(centre georges pompidou)正舉辦他的作品回顧展。我并沒有意識到這些，但我曾在1994年秋季的展覽請貼中，用了(馬萊-史蒂文斯)設計的一座劇院圖象。”

建筑師的時尚設計

建筑和時裝之間的“纏綿”已不是什么新鮮事了。“1982年，麻省理工學院在海頓樓(hayden gallery)舉辦了一次開創性的展覽，將這兩個領域聯系在了一起，我當時參與了這個展覽，那次展覽是由蘇珊·希德勞斯卡斯(susan sidlauskas)組織的，”鄧姚莉說到，“那次展覽叫做‘親密的建筑：當代服裝設計’(intimate architecture: contemporary clothing design)”。就在10年多后，哥倫比亞大學建筑系主任馬克·威格利(mark wigley)寫了《白墻，設計者的套裝：現代建筑的時裝》(white walls, designer dresses: the fashioning of modern architecture），現在人們認為這是第一本從解構角度對時裝和建筑進行剖析的書。

同時，有人引用建筑師扎哈·哈迪德的話說，購物是參觀一座城市的好方法。很酷的博物館可能只有一座，但很多商店都是非常有趣的建筑。而且它們的營業時間比博物館長，無需門票，萬一你無法抵擋商品的誘惑，也只需付點退出費。

畢竟，如今聘請著名建筑師設計時裝旗艦店幾乎已是必不可少，比如雷姆·庫哈斯(rem koolhaas)與普拉達(prada)，弗蘭克·蓋里(frank gehry)與三宅一生(issey miyake)、青木淳(jun aoki)和路易威登(louis vuitton)等。遠看青木淳設計的東京商場，就像一大堆不同尺寸和式樣的路易威登箱子，近看就會發現它的設計是由鐵絲網幕墻完成的。

還有彼得·馬里諾(peter marino)，他目前在為東京和香港的香奈兒(chanel)設計專賣店，他在紐約第五大道的芬迪(fendi)專賣店設計中用到了石灰華材料，以表明該品牌根在羅馬。羅馬的圓形大劇場等標志性建筑就使用了石灰華。其它諸如紐約和倫敦由諾曼·福斯特(norman foster)設計的asprey商店，或者普利茲克(pritzker)建筑獎得主赫爾佐格(herzog)和德·穆隆(de meuron)設計的東京普拉達店，那就更不要提了。就連負責重新設計巴黎藝術畫廊奧塞博物館(musée d’orsay)的建筑師蓋·奧蘭蒂(gae aulenti)，也在成衣走秀的同時，首映了一部她在東京的意大利文化機構(italian cultural institute)拍攝的華倫天奴(valentino)紀錄片。

建筑+時尚=完美融合

手袋設計師龐廷·普斯(pontine paus)認為，建筑就是時裝的延伸。“時裝無疑就是廣告，完全是在傳遞品牌理念、某種生活方式的某種觀念，而你想把自己與之聯系起來。包裝要表達的理念與實際產品一樣多。在舊貨店里，你會看到某些東西，卻可能沒注意到它，但如果把它放到漂亮的陳列環境中，就會完全不同了。你走進一家商店，就像是走進了某個人的思想。如果你在一種環境中，讓你想起了《愛麗絲夢游仙境》(alice in wonderland)，那種視覺印象和記憶就與產品聯系起來，一起留在你的腦子里了。”

普斯擁有意大利多馬斯設計學院(domus academy)工業設計碩士學位，她對如何給人留下印象略知一二。在她將自己的技能用于時裝之前，她曾在米蘭為建筑師阿爾多·西比奇(aldo cibic)和丹尼斯·圣基亞拉(dennis santachiara)工作。“商店開業時，我們會使用大型充氣物品或一只特制的手表，我們在土豆中插入兩根棍來驅動這只表。”正如紐約建筑中心的帕梅拉·普哈爾斯基(pamela puchalski)指出，建筑師自身已經改變了，更別說他們工作的內容了。

“‘我只搞建筑’再也不是他們的做法了，”她指出，“他們可能也做家具、平面設計和時裝。建筑還變得國際化了，現在它是一種全球性行業，不僅在地理意義上，還在它的可參與程度上。外延拓寬的建筑設計已能應用到家具設計和時裝上，幾乎與大廚如何構思一道菜一樣。”

“在所有藝術形式中，時裝是最佳形式之一，”設計師卡拉·揚克斯(kara janx)評論道。她在進入服裝行業前是一名建筑師。“建筑師過去曾是一幫另類，是非常孤立的一個群體。建筑師的自尊自大已不像過去，現在更加開明了，建筑師開始關注文化與社會，并詮釋他們的作品。”揚克斯表示，建筑師的經歷使她成了更好的設計師。“我認為，建筑從一開始就對平面設計有影響，比如我在服裝上的輕筆素描，怎樣對它進行闡釋，使用樹木與灌木、線條、比例和對稱等。我對事物的對稱理解得更好了。”

然而，正如在紐約建筑中心展覽上所見，這種聯系在巴黎前時裝設計師露西·奧塔(lucy orta)的藝術作品中也許達到了頂峰。奧塔因為其工作室里住有流浪漢而出名(她研究流浪漢需要的環境，尋找并探究個人建筑成為民用建筑的理念)，她采用了一些曾經的概念物品，并把它們解構進入日常生活，比如能變成帳篷的可充氣外衣。

簡單來說，她設計了可以作帳篷的衣服，實現了兩種藝術形式在實用層面的最終融合。